Musica en mi Mente

Sonny Rollins “St.Thomas” Esta composición con...

Wed, 09 Mar 2011 23:20:24 -0500

Sonny Rollins “St.Thomas”

Esta composición con elementos de Calypso se transformó con los años en el tema mas famoso de Rollins y ayudó a que “Saxophone Colossus” fuera considerado como uno de los discos imprescindibles en la discoteca de cualquier aficionado al jazz.

Hank Mobley - “Remember” El tema que abre el gran...

Wed, 09 Mar 2011 23:18:19 -0500

Hank Mobley - “Remember”

El tema que abre el gran disco “Soul Station” del saxofonista tenor Hank Mobley. El gran ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, quien grabó originalmente esta y casi todas las sesiones emblemáticas de sellos como Blue Note, Prestige e Impulse, no dudo en incluir “Remember” en su compilación personal aparecida hace algunos años y titulada “Perfect Takes” (tomas perfectas).

Sonny Clark - “Cool Struttin” Otro clásico del Hard...

Wed, 09 Mar 2011 23:15:40 -0500

Sonny Clark - “Cool Struttin”

Otro clásico del Hard Bop, el tema que abre y da nombre al disco mas famoso del excelente pianista Sonny Clark. Un dato curioso es que este tema se transformó en un mega hit en cafeterías de Japón.

Horace Silver & The Jazz Messengers “The...

Wed, 09 Mar 2011 23:13:35 -0500

Horace Silver & The Jazz Messengers “The Preacher”

La raiz gospel llega al Hard Bop explictamente, en su momento se tildó al estilo cultivado por Silver de “Soul Jazz” ó “Funky Jazz”

Clifford Brown & Max Roach Quintet -...

Wed, 09 Mar 2011 23:11:24 -0500

Clifford Brown & Max Roach Quintet - “Sandu”.

Esta composición de Clifford Brown es un ejemplo perfecto de un clásico tema “Hard Bop”. Tempo medio, melodía simple y siempre ligada al blues, sonido “relajado” pero a la vez “intenso”. Un temazo.

5 discos: Hard Bop

Wed, 09 Mar 2011 19:40:00 -0500

El Hard Bop es un sub-estilo del jazz que nace en la década de los 50’s como respuesta a el ascenso del “cool jazz” como corriente principal asociada a esos años. Si bien ambos estilos tienen sus raices en el lenguaje creado por los músicos de Be-Bop como Charlie Parker, Dizzy Gillespie ó Charlie Christian en los 40’s, el Hard-Bop se aleja del lado mas “intelectual” ligado al Cool Jazz, asi como tambien de la exagerada complejidad melódica del Be-Bop, concentrándose mas bien en el blues y mas tarde en sonoridades ligadas a la música gospel. Éstas 2 influencias, el Blues y el Gospel, pueden verse reflejadas claramente en las lineas melódicas creadas por los músicos del Hard Bop, quienes en sus composiciones muestran una predilección por los tempos medios (a diferencia los frenéticos tempos bebop) y un desarrollo basado en frases cortas ó de mediana duración, donde se privilegia “la onda” por sobre la complejidad ó el desarrollo matemático; de cierta forma, el músico de Hard Bop quiere, muchas veces, evocar la experiencia emocional ligada a la música religiosa afroamericana, asi como tambien externalizar los sentimientos mas lúdicos ligados al blues, lo que se traduce en una música que sin dejar de ser interesante desde el punto de vista “técnico musical”, emana alegría y relajo, es facil sentarse a escuchar un disco de Hard Bop y pensar en lo bien que lo estaban pasando lo músicos con tal solo escuchar la melodía principal (“head”) del tema. Otro cosa importante que “rescatan” los músicos de Hard Bop es el concepto de “arreglo”, que sin duda perdió absoluto peso en el Be-Bop de los 40’s, donde poco importaba el como se interpretaba la melodía del tema (en general se tocaba al unísono en 2 instrumentos de vientos, comunmente trompeta y saxo), la preocupación era mas bien alcanzar luego el momento de improvisar!. Si bien en los arreglos Hard Bop no se alcanza la complejidad de un arreglo swing ó de el trabajo de agrupaciones “cool” como el Modern Jazz Quartet, si existe una preocupación a la hora de presentar el tema mas allá de una mera exposición trivial, lo que se traduce en un uso dosificado de contrapunto, armonizaciones, inclusión de ritmos y métricas “distintas”, y en general una mayor preocupación por la composición misma, pero teniendo siempre presente que la improvisación es lo primero y mas importante (algo que en ciertos subestilos del jazz curiosamente no queda tan claro!).

A continuación recomendaré 5 discos que me parecen buenas cartas de presentación del estilo, no necesariamente serán las selecciones mas obvias, y sin duda se quedaran muchos grandes discos fuera, pero la idea es simplemente lograr que alguien que nunca ha escuchado y/o apreciado el jazz ó este estilo de jazz en particular, pueda escuchar, hacerse una idea y en el mejor de los casos disfrutar de esta maravillosa música.

Clifford Brown & Max Roach “Study In Brown” (1955)

Clifford Brown representa uno de los casos mas emblemáticos de músicos que lamentablemente nos dejaron muy temprano. “Brownie” murió en un accidente automovilístico (que tambien le costó la vida al pianista de la agrupación Richie Powell, hermano de Bud) en 1956, cuando tenía tan solo 25 años. Afortunadamente, su agrupación mas importante, el quinteto creado junto el veterano baterista Be-Bop Max Roach, cuenta con un puñado de grabaciones de muy alta calidad artística, y la verdad es que se hace dificil elegir una sola entre ellas, son todas excelentes. Compuesta por Brown, Roach, mas el contrabajista George Morrow, el pianista Richie Powell, y el excelente y sub-apreciado saxofonista tenor Harold Land (luego reemplazado por Sonny Rollins), esta agrupación logro definir hasta cierto punto lo que se transformaría en el sonido Hard Bop de los 50s, tomando en cuenta todos los atributos antes mencionados.

En “Study In Brown”, Brown y compañía nos presentan un disco increible de principio a fin, que mezcla las composiciones originales (donde destacan “Sandu” y la excelente “Land’s End”) con standards como “Cherokee” (un verdadero homenaje bopero a alta velocidad con uno de los solos mas famosos de Brown en la trompeta) y “Take The A Train”, el tema emblemático de la organización de Duke Ellington, aquí en una versión nuevamente a alta velocidad, que incluye algo de desarrollo contrapuntístico en la exposición del tema y una peculiar imitación del sonido de una locomotora. Los solos por supuesto, son de la mas alta calidad.

BLUE NOTE, la casa del Hard Bop

Si existe un sello emblemático del estilo, ese fue Blue Note, que gracias a sus estupendas grabaciones entre el 1955 y 1965 aproximadamente, logró que el sonido del Hard Bop muchas veces fuese asociado directamente al “sonido Blue Note”. La fórmula fue sin duda muy interesante, ya que Alfred Lion, el director de Blue Note, era un absoluto melómano quien decidió grabar a los mejores músicos del estilo, tomando como mano derecha al gran ingeniero del Jazz Rudy Van Gelder (quien comenzó grabando en el living de la casa de sus padres en New Jersey, con equipamiento construido por el mismo) y al artista visual Francis Wolf (quien creo el no menos importante sello artístico que impregna las carátulas de la etapa clásica de Blue Note), y de manera muy inteligente, decidió pagar ensayos previos a las grabaciones, con la idea de conseguir un producto de calidad que se alejara del caracter de una “jam session”.

Entre los músicos mas emblemáticos ligados al sello podemos encontrar a los pianistas Horace Silver y Sonny Clark, asi como tambien al saxofonista tenor Hank Mobley.

SONNY CLARK - Cool’ Struttin’ (1958)

Acompañado de una banda de primera línea, con Art Farmer (tromepeta) Jackie McClean (saxo alto), mas la laureada sección rítmica de Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (bateria), Sonny Clark logra crear una de las placas mas emblemáticas del estilo, combinando temas originales como el que da nombre al disco con composiciones ajenas como “Sippin’ at the Bells” (Miles Davis) ó ”Lover”. Todos los músicos estan a la altura de las cirscunstancias y Clark se revela como uno de los estilístas mas interesantes en el piano Hard Bop. Una sesión de puro goce musical.

HORACE SILVER & THE JAZZ MESSENGERS (1955)

Si existe un disco que ayudó a definir el sónido del Hard Bop para Blue Note, esa fue este grabación de Horace Silver (piano), la primera publicada con el nombre de la agrupación “Jazz Messengers” (que posteriormente pasara a comandar el baterista Art Blakey). Muchos se refieren al estilo cultivado por Silver en temas como “The Preacher” como “Soul Jazz” ó “Funky Jazz”, debido a la inclusión de una sonoridad claramente ligada a la música gospel, que se alejan de las complejidades armónicas y melódicas del bebop. Completan el elenco Hank Mobley (Saxo Tenor), Art Blakey (Bateria), Kenny Dorham (trompeta) y Doug Watkins (contrabajo).

HANK MOBLEY - Soul Station (1960)

Uno de los mas importantes músicos del Hard Bop, el saxofonista tenor Hank Mobley tuvo la mala suerte de desarrollarse musical en una época donde su competencia eran 2 de los mas importantes saxofonistas tenores - creadores de escuela - de la historia como fueron John Coltrane y Sonny Rollins, lo que lo llevó a ser llamado de manera burlona por la prensa como “el campeón de peso mediano” del saxo tenor. En su grabación de 1960 “Soul Station”, Mobley logra plasmar toda su creatividad melódica, su particular fraseo y su bello sonido en una de esas sesiones donde todo parece funcionar a la perfección desde el inicio con el standard “Remember” de Irving Berlin, pasando por varios originales de Mobley (“Soul Station”, “This I Dig You”) hasta cerrar con otro clásico del cancionero norteamericano como es “If I Should Loose You”. La banda compuesta Paul Chambers (Contrabajo), Art Blakey (Bateria) y Wynton Kelly (Piano) da el soporte perfecto para el lucimiento de Mobley además de contribuir con excelentes solos y transmitir una sensación de relajado y groove que hacen de “Soul Station” un disco perfecto para escuchar y re escuchar. Un clásico.

SONNY ROLLINS “Saxophone Colossus” (1956)

Sin duda uno de los mas grandes e influyentes saxofonistas tenores de la historia (junto a Coleman Hawkins y John Coltrane), Sonny Rollins logró crear en “Saxophone Colossus” lo que muchos consideran su obra maestra, pese a haber llegado bastante temprano en su carrera que aun se extiende hasta el dia de hoy. Lo interesante es que si bien Rollins estaba inserto en el circuito del Hard Bop neoyorkino, su estilo es completamente personal y lo sitúa a la avanzada dentro de los músicos de la época, representando el lado mas progresista dentro del Hard Bop, sobretodo en cuanto a la improvisación se refiere. El disco abre con el que es sin duda el tema mas famoso de Rollins, “St.Thomas”, una composición que fusiona el jazz elementos del calipso y que contiene uno de los solos mas famosos del saxofonista. Destacan tambien temas como “Strode Rode” y el clásico de Kurt Weil “Morirat”, tambien conocido como “Mack The Knife” (y que a su vez dio origen al “Pedro Navaja” de Rubén Blades), interpretado con gran maestria aquí por la agrupación que completan Max Roach (bateria), Doug Watkins (Contrabajo) y Tommy Flanagan (piano). Un discazo que hay que tener.

En mi pequeño artículo sobre Jamiroquai no comenté casi nada del último disco “Rock Dust Light...

Mon, 07 Mar 2011 16:52:09 -0500

En mi pequeño artículo sobre Jamiroquai no comenté casi nada del último disco “Rock Dust Light Star, justamente porque aun no lo escucho detenidamente como corresponde, apenas le haya dado un buen tiempo de escucha, actualizaré el blog.

Love Foolosophy, uno de los buenos temas de la etapa decadente...

Mon, 07 Mar 2011 16:49:48 -0500

Love Foolosophy, uno de los buenos temas de la etapa decadente de Jamiroquai, aqui en una versión en vivo en Abbey Road, con un sonido perfecto. Paul Turner en el bajo.

Slippin’ ‘n Slidin, tema que salió publicado como...

Mon, 07 Mar 2011 16:48:25 -0500

Slippin’ ‘n Slidin, tema que salió publicado como lado B del single de “Cosmic Girl”. Aqui en versión instrumental, recordando al Stevie Wonder de “I Wish” y tantos otros clásicos.

Light Years. Un temazo de “Return Of The Space...

Mon, 07 Mar 2011 16:46:45 -0500

Light Years. Un temazo de “Return Of The Space Cowboy”, quizas el mejor disco de la agrupación. Ojo con la linea de bajo en el coro, cortesía de Mr.Stuart Zender.

Audio de “Whatever It Is, I Just Can’t Stop”...

Mon, 07 Mar 2011 16:45:24 -0500

Audio de “Whatever It Is, I Just Can’t Stop” de perteneciente al primer disco Jamiroquai “Emergency On Planet Earth”. Es facil darse cuenta de las diferencias entre un tema como este, que tiene mucho mas en comun con los discos de Herbie Hancock y sus Headhunters de los 70s que con el disco mundano que abunda en las producciones de la banda en la década del 2000.

El audio del comienzo del concierto de Jamiroquai en Chile....

Mon, 07 Mar 2011 16:34:50 -0500

El audio del comienzo del concierto de Jamiroquai en Chile. “Hooked Up” es uno de esos temas con el sonido clásico de Jamiroquai, donde los interesantes teclados de Toby Smith, el bajo de Stuart Zender y el arreglo de vientos son el complemento perfecto para la voz de un J.K inspirado melódicamente.

Que paso con Jamiroquai?

Mon, 07 Mar 2011 16:31:00 -0500

Jueves 16 de Octubre de 1997, Teatro Monumental (ahora Caupolicán), 21 hrs: Jamiroquai comienza su primer y único concierto en Chile frente a un teatro repleto, destacandose una sobreabundancia de quinceañeras ruidosas que pese a todo no opacaron uno de los mejores conciertos de música “negra” que ha podido disfrutar Chile. Si hacen memoria, un mes antes de su presentación en Chile Jamiroquai había sido la banda ganadora del “Video del Año” por ”Virtual Insanity” en los MTV Video Music Awards, donde además se presentaron en vivo con mucho éxito. “Travelling Without Moving”, 3er largaduración de la banda, es considerado uno de los discos de música “funk” mas vendedores de la historia, siendo justamente esta placa y en particular el tema “Virtual Insanity” el que por primera vez los llevó a triunfar en EE.UU. En resumen, Jamiroquai vino a tocar a Chile en su momento de mayor popularidad. Lo interesante es que tambien vinieron a tocar en su mejor momento desde el punto de vista artístico, algo que lamentablemente no podemos decir en la actualidad, pese a que en los últimos años se ha visto una notable mejora en relación al primer lustro del siglo XXI.

No es un secreto que la discografía y la música de Jamiroquai se divide en etapas claramente diferenciadas:

1. Período “Clásico” 1993-1998: Desde la edición de su primer disco “Emergency On Planet Earth” (1993), pasando por “Return Of The Space Cowboy (1994), “Travelling Without Moving” (1996) y hasta la edición del single “Deeper Undergound” en la banda sonora de la película Godzilla. Ésta es para mi, lejos la mejor etapa del grupo desde el punto de vista musical y su término está marcado por la salida del bajista Stuart Zender en 1998.

2. Período de “Transición”: 1999-2000: Contempla la aparición y promoción del disco “Syncronized” aparecido en 1999. Entra a la banda el bajista Nick Fyffe.

3. Período “Oscuro”: 2001-2005: Desde la edición de “A Funk Oddisey” hasta la edición y promoción de “Dynamite”. Luego de participar en la grabación de “A Funk Oddisey”, Toby Smith, tecladista y principal compositor de la banda abandona Jamiroquai, dejando el gigantesco ego de J.K sin competencia alguna. Estos discos se destacan además por prescindir de la otrora omnipresente sección de vientos.

4. “Renacimiento”: 2006-2011: Luego de la grabación del single “Runaway” donde re-establecen la sección de bronces y aparece por primera vez (en disco) el eximio bajista Paul Turner, Jamiroquai parece estar volviendo a tomar forma en vivo, en gran parte además, gracias a la “rehabilitacion vocal” de J.K, quien en las giras anteriores parecía estar perdiendo la voz paulatinamente. Lo sigue el disco “Rock Dust Light Star”, donde tímidamente aparecen indicios de cambio a nivel composicional.

ACID JAZZ?

Jamiroquai fue la mas exitosa banda asociada al sónido del Acid Jazz inglés de comienzos de los 90’s, buscando explicitamente un sonido cálido y mas “acústico” relacionado con el funk y el soul de los 70s, en oposición a la sonoridad clínica y electrónica de los 80’s. Mas allá de cosas superficiales (musicalmente) como la inclusión de un Didgeridoo (imposible no recordar a muchos Chilenos engrupidos con este instrumento allá por el 97-98), “Emergency On Planet Earth” es un gran disco de música negra, curiosamente hecho en Inglaterra y no en EE.UU. Las composiciones vuelven a la escuela de grandes como Stevie Wonder, los arreglos son elaborados y elegantes, la armonía propuesta por Toby Smith se aleja de la simpleza estática del funk de James Brown para adentrarse aunque sea un poco en terrenos mas ligados a un Herbie Hancock funky y las lineas de bajo llenas de vida y onda creadas por un aun adolescente Stuart Zender de 19 años, lo transformarían a la larga en uno de los bajistas mas influyentes de los años 90s. En “Return Of The Space Cowboy”, todos estos factores se mantienen, destacándose una mayor madurez como banda y en “Travelling Without Moving”, la banda logra éxitos comerciales que no dejan de lado totalmente la calidad musical, pese a que se evidencian los primeros indicios de una cierta predileccion de parte de J.K por crear algo parecido al “disco moderno”. En Syncronized, los temas siguen siendo bellamente arreglados y producidos, pero lamentablemente la mayoría de las canciones han pérdido algo de la calidad que hizo tan disfrutables sus discos interiores. En este disco podemos ver ya los síntomas de lo que va a ser la decadencia musical de Jamiroquai durante la siguiente década: baterías mecánicas, temas bailables sin fondo y en general una actitud que denotaba una desesperación por la “búsqueda de hits”.

Lo terrible del caso, y el por que hablo de una “decadencia”, es lo facil que resulta hacer el paralelo con el reinado de la música disco durante la segunda mitad de los 70s, donde toda la cultura afroamericana se vio afectada por el ascenso del concepto ahora llamado “punchi punchi”, que si bien en un comienzo fue un recurso interesante a las manos de músicos como Barry White, terminó siendo la peor arma contra toda la música negra, donde el lado afro, lo irregular, se vio abatido por una música que si bien mantenía elementos del Funk, le quitaba la esencia y lo dejaba resumido en una música repetitiva y sin fin destinada a las salas de baile blancas. Como diría el escritor Rickey Vincent en su excelente libro “FUNK”: ”una música beige”.

Teniendo esta perspectiva histórica de fondo, es entonces entendible el por que se puede considerar el cambio de sonido de Jamiroquai en discos como “A Funk Oddisey” como “peligroso”. Está bien, hay canciones que funcionan como “Love Foolosophy”, el problema aparece cuando el resto del disco parece haber sido fabricado en serie, con baladas sozas y temas funky que carecen de la “negritud” y “suciedad” necesarias para el estilo. “Dynamite” no hace sino aumentar las dudas acerca del poder composicional de J.K y sus nuevos secuaces, nuevamente es un disco plano y sin grandes canciones a la vista.

Afortunadamente, en los últimos años la banda ha retomado su excelente nivel en vivo con un J.K aun muy activo en el escenario y una banda compuesta principalmente por sesionistas que suena absolutamente profesional, por lo que el espectáculo que ofrecerán en su 2da visita a Chile sin duda será de alto nivel. Sin embargo, no queda sino pensar en las diferencias existentes entre su primera y segunda visitas a nuestro pais, una banda en su “peak” vs una banda profesional en un momento neutro. No está demas decir que en 1997 la entrada general costó 10 mil pesos…

Photo

Mon, 07 Mar 2011 14:58:38 -0500